Aperçu | Charlène MARSAC-BOUVET, “Les parures dans la poésie archaïque : atout de séduction et éveil des sens”

Le corps rythmé de bijoux, les parfums qui satinent la peau, donnent de l’éclat à la chevelure ou parsèment le corps d’une odeur divine, envoûtante et exotique[1], les étoffes qui dévoilent le corps ou, au contraire, dissimulent certaines parties pour le rendre davantage désirable : voilà̀ autant d’artifices qui viennent parer le corps, parfois avec finesse et subtilité́, parfois avec ostentation[2]. Le corps, masculin ou féminin, apparaît alors comme un outil de séduction. Soumis aux regards extérieurs, il attire, séduit et parfois même, ensorcèle[3]. Lorsque la séduction se mêle au désir et au plaisir charnel, les sens sont directement impactés. Dans ce jeu de la séduction amoureuse, c’est l’effet immédiat que provoque un corps paré qui nous intéresse et le rôle des récepteurs sensoriels dans cette interaction. Dans la perspective de comprendre le rôle des stimulations sensorielles en contexte érotique et plus précisément, la place des parures dans l’éveil des sens, l’Hymne homérique dédié́ à la déesse Aphrodite servira de fil rouge de notre intervention. Aphrodite incarne et contrôle deux facettes de la sexualité : l’amour tendre et la violence destructrice. Deux facettes qui viennent dépoussiérer et dépasser l’image qui s’est construite au fil du temps d’une déesse seulement associée à l’amour et au désir tendre. C’est précisément l’ambivalence du pouvoir que possède Aphrodite qui lui vaut, dans l’hymne homérique qui lui est consacré, un châtiment de Zeus.

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Aperçu | Méline FULBERT, “Soigner le corps, restaurer l’apparence : le cas des cicatrices chez Celse”

Il y a quelques années, dans un ouvrage collectif intitulé Corps romains, Catherine Baroin décrivait la cicatrice comme “un danger pour le corps – corps physiologique, corps esthétique, corps civique”. L’idée que la cicatrice ne porterait pas uniquement préjudice à la santé du corps, mais aussi à son apparence, a particulièrement retenu notre attention. En effet, la question des liens unissant la santé et la beauté, et de là, les soins thérapeutiques et cosmétiques, est au coeur du travail de recherche que nous menons actuellement dans le cadre du Master Mondes Anciens. Notre réflexion s’inscrit dans le De medicina, un traité médical latin de huit livres, daté du Ier siècle ap. J.-C. et attribué à Celse. Le terme latin cicatrix, qui désigne la cicatrice, apparaît pas moins de soixante fois dans l’ensemble de l’oeuvre. Nous nous proposons, dans le cadre de cette journée d’études dédiée au
corps et à la matière, de revenir, à travers une étude de cas, sur les soins des cicatrices décrits par Celse dans son De medicina. Ceux-ci, nous le verrons, se situent à la limite de la thérapeutique et de la cosmétique.

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Aperçu | Gwenaëlle BONNAL, “Corps en accord : interrelations mère, nouveau-né, sage-femme dans la naissance antique”

Dans l’Antiquité, lors de la naissance, les postures corporelles et les rapports entre les protagonistes de l’accouchement différaient de ceux d’aujourd’hui. Mère, enfant, sage-femme, par la position de leur propre corps et par leur relation avec le corps des autres, agissaient et interagissaient dans une combinaison triangulaire, favorisant ainsi le bon déroulement de la naissance. En nous appuyant sur des récits, des mythes, des traités médicaux antiques et sur des représentations iconographiques de scènes d’accouchement, nous verrons quelles attitudes adoptaient parturiente, aidante et nourrisson ainsi que la manière dont était traité le corps de l’enfant naissant.

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Aperçu | Thomas GRIERA, “Contribution à l’étude des pratiques funéraires chez les Consoranni””

L’étude des pratiques funéraires est un thème archéologique vaste et varié
livrant de nombreuses informations sur une population visée. Toutefois, quelques sociétés restent à l’écart de ces recherches et méritent un renouvellement ou un enrichissement dans ces données. Les Consoranni, peuple gallo-romain du Haut et Bas-empire en sont un exemple parmi d’autre. Dès le XXème siècle, un pôle scientifique très restreint couplé à un amateurisme local a dégagé les premières problématiques liées à cette population et notamment dans les pratiques funéraires de cette dernière. Partant avec des bases limitées, ce travail de recherche a pour objectif de rassembler, collecter et interpréter toutes traces funéraires du peuple concerné dans un contexte antique. Ainsi, les diverses informations récoltées pourront être comparées avec les découvertes funéraires d’autres sites archéologiques à proximité, ou non, du territoire et de la chronologie étudiée. La synthèse de ce corpus permettra de mieux connaitre ce peuple par les indices laissaient à l’aide des traces funéraires et, par addition, complétera les informations, déjà peu nombreuses, sur les pratiques funéraires locales.

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Aperçu | Alexandra CLOS, “Aphaia, la déesse invisible : stratégies divines face à la menace de violences corporelles”

Britomartis est une nymphe crétoise, honorée par les pêcheurs et les chasseurs de l’île. Selon les différentes versions du mythe, elle est également appelée Diktynna, Artémis ou Aphaia, un adjectif qui signifie « Invisible ». En effet, poursuivie par le roi Minos, épris d’elle, Britomartis tente de fuir et de se cacher de différentes façons selon les versions du mythe. Nous nous concentrerons dans cette communication sur l’épithète Aphaia, mentionnée par Antoninus Liberalis dans ses Métamorphoses (XL), où il relate comment Britomartis échappa à Minos en sautant dans les filets d’un pêcheur et tenta de se rendre à Egine sur la barque de ce dernier qui lui aussi l’agressa. S’enfuyant dans les bois, elle fut alors rendue invisible aux yeux de son agresseur et de tous les hommes par Artémis, prenant alors le nom d’Aphaia à Égine.

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Aperçu | Manon Desmazeaud, “Donner corps à un dieu : Hadès dans les fictions contemporaines”

Aux  XXème et XXIème siècles, œuvres littéraires, bande-dessinées, films, séries et jeux vidéos semblent avoir été le vivier d’un grand nombre de réécritures de mythes antiques. Étudier ces œuvres et leurs manières de s’approprier et de réinventer les traditions anciennes est un axe de recherches de la Réception de l’Antiquité. La revue Antiquipop s’est d’ailleurs spécialisée dans l’étude des références à l’antique dans la culture populaire. C’est en nous inspirant de ces travaux que nous traiterons du cas d’Hadès et ses “character-design[1]” dans les fictions contemporaines. Ce dieu grec a été discret, peu traité dans la recherche autant dans son contexte d’origine que dans ses interprétations modernes; il y a pourtant beaucoup à dire sur l’évolution de sa perception et, bien entendu, de ses représentations.

Car Hadès, ou Pluton, est un dieu qui n’a pas reçu le même traitement dans l’art antique que ses pairs Olympiens. Ce qui rend ses représentations rares, et par conséquent les inspirations visuelles disponibles pour les artistes contemporains tout autant. Pourtant, il semble avoir particulièrement marqué l’imaginaire populaire, avec une imagerie bien définie. Hadès dans le long métrage d’animation Hercules de la Walt Disney Pictures Company, a sans doute joué un rôle dans la mise en avant du dieu à notre époque contemporaine. Ces représentations dans les fictions sont tout autant d’indices sur l’évolution de la perception de la divinité dans l’imaginaire populaire. En se penchant sur deux exemples de représentation moderne d’Hadès, nous montrerons comment est construite son apparence physique et tenterons de mettre en lumière ce qui influence les artistes dans leurs choix, quand les références iconographiques antiques sont aussi peu nombreuses ou évocatrices.

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Aperçu | Solène Poncet, “Muses de marbre: donner sens au corps”

A la suite des conquêtes d’Alexandre, le monde grec s’est largement étendu et
diversifié. L’époque hellénistique, que nous situons du IVè au Ier siècle avant notre ère, marque ainsi un tournant dans la culture grecque. L’imagerie de la sculpture grecque se développe autour de nouveaux thèmes et de nouvelles techniques. Margarete Bieber définit l’époque hellénistique comme naturaliste, en opposition à l’idéalisme de l’époque classique.
C’est dans cet espace en mutation que nous avons décidé d’étudier la représentation des Muses, déesses des arts et amies du poète. D’après Roland R. R. Smith2, les Muses sont un élément nouveau de la grande statuaire. Leur apparition dans la grande plastique pose la question de leur importance dans la société grecque et témoigne d’une possible évolution de
leurs fonctions. L’intérêt de notre intervention est de comprendre comment le développement de la statuaire hellénistique est porteuse de sens dans le renouvellement de la représentation des Muses. Il s’agit d’abord de comprendre comment le développement du travail du marbre à l’époque hellénistique a pu influencer la représentation des Muses. Ensuite, il est important de comprendre les mécanismes socio-culturels de l’époque hellénistique et quel est leur rôle dans la mutation de la représentation des Muses dans l’art grec.

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Aperçu | Justine ARNAULT, “Le travail de l’argile par les artisans romains”

Dans le cadre de mon mémoire, j’étudie les différents matériaux de construction en terre cuite architecturale de la villa de Port-la-Nautique à Narbonne. Appelés également TCA, ces éléments prennent une place importante dans la construction en Gaule Romaine et deviennent incontournables au cours du 1e siècle ap. J-C. Il existe toutes sortes de matériaux de construction en terre cuite architecturale, comme des tuiles (tegula et imbrex), des briquettes de spicatum, des quarts de ronds, des briques, des antéfixes, ou encore des acrotères. Ces matériaux en terre cuite sont façonnés à l’aide de différentes méthodes afin de produire des formes et des utilisations multiples. Les artisans ont la tâche de fabriquer des éléments architecturaux à l’aide d’argile, ainsi que des outils, comme des moules, pour de modeler la terre. Finalement, ces éléments étaient cuits dans des fours afin qu’ils deviennent des matériaux solides. Il s’agira ici de comprendre la chaîne préparatoire pour arriver à un produit fini et comment ce produit peut servir aux archéologues.

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Aperçu | Mathilda Martial, “Les représentations des artisans du métal dans la sculpture provinciale (I e – III e apr. J.-C.)”

La sculpture provinciale fournit une documentation importante, le plus souvent funéraire, sur la vie quotidienne des populations de l’Empire romain. Bien que les monuments représentant des artisans (stèles, autels, bas-reliefs…) n’apportent pas plus d’éléments d’informations sur leurs conditions de vies que les sources littéraires, ils suscitent un grand intérêt des chercheurs. L’utilisation de l’épigraphie et de l’iconographie, seuls ou en relation avec les vestiges archéologiques, permet de nous renseigner sur les métiers et les savoirs des artisans romains. Dans le cadre de cette journée d’étude, nous présenterons les représentations iconographiques des
artisans du métal en nous appuyant sur le corpus de reliefs funéraires des Gaules et des Germanies que nous avons constitué pour le mémoire de M1. On verra que le secteur de la métallurgie présente plusieurs noms de métiers qui sont déterminés par les matériaux (fer, cuivre, bronze…), les productions et les techniques adoptées par les artisans. Dans le courant du IIe siècle et au IIIe, la
diffusion des monuments et des inscriptions funéraires connait un essor important dans les provinces de la Gaule. La sculpture funéraire gallo-romaine s’inspire des modèles italiens, toutefois, elle ne transpose pas à l’identique les formes monumentales élaborées en Italie. Il s’agira donc de comparer les différents modes de représentations de ces artisans et de proposer un aperçu iconographique plus large à travers les provinces romaines. Nous verrons également quelques exemples d’inscriptions, qui attestent de la pluralité des métiers lié au travail du métal, révélant la complexité et la diversité de ce milieu socio-économique à l’époque romaine.

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Aperçu | Bernardon Dominique, “Matière grise perdue : la collection Gabriel Manière remise au jour”

Gabriel Manière (1909 – 2008) était inspecteur au service des eaux , passionné d’histoire . C’est un archéologue autodidacte. G. Manière est intervenu sur de nombreux sites archéologiques en Haute -Garonne , en Comminges et dans le Volvestre . Il a effectué plusieurs collaboration avec M. Labrousse (1912 – 1988). Lors de ses travaux il a recueilli de nombreux objets, dont il fait mention dans des rapports de fouilles. Après son décès, une partie de sa collection a été confiée, selon ses dernières volontés à Madame Gabrielle ODON qu’il avait parfois associé à ses travaux. Cette dernière a contacté Martine JOLY afin qu’une expertise de l’ensemble soit réalisée. Il fallait dans un premier temps réaliser un inventaire de cette collection. Cette mission m’a été confiée, dans le cadre de mon Master 1. Mon intervention a permis de dénombrer 288 caisses, ainsi que de la documentation de fouille qui concernent les sites fouillés dans les années 70. Le travail commencé dans le cadre de mon Master 1 a donc permis de remettre au jour d’importants lots de mobilier, mais également de « matière grise » qu’un certain nombre d’archéologues pensaient perdus.

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Aperçu | Fanny Langlade, “Le corps dionysiaque dans la céramique lucanienne (440 et 330 avant J.-C.)”

Evoquer le corps dionysiaque, c’est à la fois envisager la manière dont Dionysos lui-même est représenté, et les personnages qui l’accompagnent, qui font corps avec lui. La céramique lucanienne produite entre 440 et 330 avant J.-C. constitue un support privilégié afin de mieux appréhender cette divinité polymorphe. Elle permet également d’apprécier les préoccupations de communautés italiotes, entre permanence de l’héritage grec et constitution d’une nouvelle iconographie, propre à la Lucanie.

Au regard des cent-vingt-deux vases composant le corpus, il s’agit tout d’abord de déterminer les traits constitutifs de Dionysos, notamment à travers son apparence physique et les objets spécifiques qui lui sont attribués. Il nous apparait dès lors que la représentation du corps de la divinité se complexifie. Il devient compliqué d’identifier le fils de Sémélé, car les jeunes hommes imitent ses postures et s’emparent de ses attributs afin de s’assimiler à lui. D’autre part, la gestuelle et les attitudes adoptées par le dieu manifestent l’apaisement ; il apparaît généralement figé dans  une posture hiératique ou spectateur des activités de ses compagnons occupés à le divertir. Dionysos évolue ainsi dans une atmosphère sereine, où la pondération est préférée à l’exaltation, loin de l’agitation du thiase en proie à la mania, pourtant privilégiée dans l’iconographie attique. L’enjeu de notre étude réside dans l’interprétation de cette imagerie italiote complexe, au sein de laquelle le corps dionysiaque acquiert une importance déterminante, reflet de la mentalité d’une civilisation en pleine mutation.

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